チームの物語を“音”で伝える─ナラティブ楽曲術。よさこい曲はストーリーを説明せず、観客に感じさせる

よさこい曲は、単なる「踊りの伴奏」ではなく、チームの一年を語る物語装置です。
イントロの一打、サビの高揚、クライマックスの静寂──それらはすべて、チームの物語を音で翻訳するための記号であり、演出であり、感情の言語化です。
私が550曲を制作する中で確信したのは、「曲づくり＝物語の設計」であり、音色・テンポ・歌詞・掛け声のすべてがナラティブ（語り）として意味を持つということ。

踊り手が物語の主人公となり、観客がその証人となる。
そんな〈音楽〉と〈演舞〉が語り合う構造をどう設計するか。
本記事では、チームの記憶と未来を“音”で紡ぐナラティブ手法を、具体例と設計プロセスを交えながら解説します。

物語は“言語”ではなく“音響体験”で届ける

よさこいの物語は「説明されるもの」ではありません。
観客はストーリー文を読みませんし、舞台袖でテーマ説明を聞いてから演舞を見るわけでもありません。
にもかかわらず、なぜ “物語が届くチーム” と “届かないチーム” が存在するのか──その差を決めるのが、音そのものに埋め込まれた「情緒の設計」です。

物語は、
言葉 → 理解 ではなく、
音色 → 感情 → 身体反応 → 記憶
という順で観客に入り込みます。

●1：ストーリー説明は不要、説明は音が担う

「今年のテーマは◯◯で、登場人物は△△で……」
こうした事前説明をしなくても、観客は物語に浸ることができます。

説明の代わりに、音響がその役を担うからです。

• 緊張感 → 不協和＋低音弦＋タイトな太鼓
• 希望 → 長調転換＋ストリングス解放
• 郷愁 → 篠笛＋民謡音階＋減衰の余韻

観客は意味ではなく「情緒」を受け取ります。
そして情緒だけが、踊りと連動し、全身で理解される“体験知”になるのです。

私は550曲の制作現場で、ただ一つ揺るがない結論にたどり着きました。
よさこいの物語は言語ではなく音響体験で届けるものだということです。

●2：感情→音色→演舞→観客へと伝播する

物語を“音”で語るとは、演出を音に付け足すのではなく、
情緒が音色を決め、音色が踊りを導くという設計思想です。

感情（芯） → 音色 → リズム → 体（踊り） → 観客

例えば：

• 「覚悟」を伝えるチーム
  → 太鼓のアタックを固く
  → BPMは演舞呼吸に同期
  → 振付は角度が鋭く
  → 観客は“鋼の意志”として受け取る
• 「祈り」を伝えるチーム
  → 和音は濁りより透明感
  → 篠笛は余白を長く
  → 足運びは流体的
  → 観客は“静かで深い祈り”を感じる

音色が踊りの質を変え、踊りの質が物語を可視化する。
ここに言語はいらないのです。

●3：イントロ3秒で物語の勝敗は決まる

観客の集中は、最初の3秒で固定されます。
音が鳴った瞬間、観客は脳内で「世界観の枠」を決めてしまうためです。

• 1秒目：空気の色が決まる
• 2秒目：舞台の温度が決まる
• 3秒目：観客の視点が定まる

この3秒で「何の物語か」を音で宣言しなければ、
その後のドラマ設計がどれほど精巧でも届きません。

よさこいのイントロは、
“曲の始まり”ではなく物語の扉を開く儀式です。

だから私は、依頼チームのヒアリングで真っ先に冒頭3秒の感情設計を行います。
「哀しみなのか」「祈りなのか」「熱狂なのか」「凱旋なのか」。
感情の核が曖昧なまま制作を進めると、すべての音色がブレ、物語が散ります。

●4：「語る」ではなく「感じさせる」へ

ここで多くのチームが陥る落とし穴があります。

「観客に分かってほしいから、物語を歌詞で説明したくなる」

しかし、よさこいの観客は耳より身体で理解する文化にいます。

• 風圧
• BPMの揺れ
• 低音の振動
• 間と静寂
• サビ直前の呼吸の溜め

これらがシーン説明の代わりになります。

説明は削り、情緒を増やす。
言語量を減らし、音響密度を上げる。

その結果、演舞は“言葉を介さない物語”になります。
つまり観客が「理解する」のではなく、感じた記憶として持ち帰る。

これこそが、入賞チームの共通項であり、
550曲の現場で私が確信に至ったナラティブ音響の本質です。

ナラティブ翻訳──言葉を音に、背景を旋律に変換する技術

よさこい制作における最大の課題は、「言葉で語れる物語」を「音で感じ取れる物語」へ変換する工程です。
ヒアリングでどれだけ素晴らしい理念や歴史を聞き取っても、それが音になった瞬間に抜け落ちてしまうのであれば、それは“物語化”ではなく“情報要約”にすぎません。
ナラティブ翻訳は、言語→音響→演舞→観客という循環を成立させるための設計技術であり、まさに制作者の腕が問われる場所です。

■歴史・理念・チーム背景の抽出は「言葉以上」に深掘りする

制作初期、私は必ず以下の3層を聞き取ります。

層	内容	楽曲化の観点
表層	今年のテーマ、コンセプト、演舞方向性	テンポ、音色、ジャンル感
中層	チームの成り立ち、理念、毎年の葛藤	主旋律の情緒、コードの色彩
深層	悔しさ、涙、勝利、離脱、再生、継承	クライマックスの解放、象徴フレーズ

よさこいはテーマのポスターづくりではなく、人間史・集団史の翻訳であるため、
「今年の色は赤です」「テーマは躍動です」という表層で止めてはいけません。

本当に音にすべきは、

• 勝てなかった年の悔しさ
• 新代表に継いだ瞬間の震え
• 地域と共に歩んできた重さ
• メンバーの卒業と旅立ち

その“物語の底”です。

■感情→リズム、価値観→音階へ変換する

よさこい曲制作の現場で見えてきた真理があります。

• 感情はリズムで伝わり
• 価値観は旋律で伝わる

たとえば「誇り」を主題にするなら、
和音を四度堆積にして重厚感を出す、
低域に和太鼓を太く配置し「支えられてきた歴史」を響かせる。

逆に「再出発」「挑戦」がテーマなら、
BPMを上げるよりも空間系シンセで“未来への余白”を作る方が効果的です。

音響設計とは、感情を音に訳す文学翻訳と同じです。
文字にしない感情ほど、音で語らせる必要があるのです。

■物語の核（象徴テーマ）をメロディ中心に置く

ナラティブ翻訳では、必ず「象徴ワード」を一つ決めます。

• 継承
• 再生
• 原点
• 舞
• 祈り
• 未来

この象徴を主旋律の“戻りどころ”に設定します。

サビ頭に必ずその音階を配置し、
間奏や掛け声後にも同じ動機（モチーフ）を忍ばせ、
観客が無意識に「この曲はこの感情を語っている」と理解できるように。

それは繰り返しではなく、象徴の固定化です。

■“聴けばそのチーム”を保証する音のID設計

550曲制作の現場で確信したことがあります。
入賞するチームの音は、たった3秒で「そのチーム」だとわかる。

これを私は音のID（Identity）設計と呼んでいます。

• 篠笛の立ち上がり方
• スネアの刻みの癖
• 振りの切れ目とシンバルの位置
• 掛け声を入れるタイミング

これは偶然ではなく、チームの物語が音へ翻訳され続けた結果です。

ID設計が成功すると、観客はこう感じます。

「あ、この音はあのチームだ！」

つまり、認知→期待→没入の順で物語が立ち上がってしまうのです。

ナラティブ翻訳は、
“説明しないのに伝わる”曲を成立させる唯一の技法です。

言葉を排し、音が語る。
説明を減らし、感情を響かせる。

その演舞の背後で、
音楽がチームの記憶を語っている——

それが、物語を音で届けるよさこい制作の本質です。

象徴モチーフ法──一度聴いたら戻れる“帰巣フレーズ”を作る

よさこい楽曲において、毎年曲が変わっても“チームの匂い”だけは変えないという設計は、入賞常連チームのほぼすべてが意識している共通点です。ここでいう「匂い」とは、ジャンルでもテンポでもなく、一音でチームを想起させる音のDNAです。音楽理論より前に、物語的帰属感を生み出す信号であり、観客やOG・OB、地域の人々が「あ、このチームだ」と迷わず帰ってこられる“音の帰巣性”そのものです。

◆帰巣性をつくる三種の象徴フレーズ

象徴モチーフ（ID）は、以下いずれか、もしくは複合で設計します。

要素	象徴例	効果
篠笛の節回し	毎年変わっても軸旋律は似た山形で推移	「音の血統」を維持
太鼓の決め打ち	サビ前の ドン・ド・ドン を固定化	踊りの呼吸と記憶を同期
声ネーム（コール）	チーム名、掛け声、地域名の反復	観客参加と帰属誇りを更新

特に篠笛は「旋律の匂い」を司る器官です。旋律の形（上昇と下降のカーブ）が似ているだけで、全く新しい曲でも「そのチームらしさ」が立ち上がります。逆に音色だけを変えても、旋律の“山形”が変わると、チーム感が崩れます。これはポップスや映画音楽にも通じる leitmotif（ライトモチーフ：主題動機）の手法ですが、よさこいはさらに身体性と観客の声を巻き込むという拡張を持ちます。

◆反復は単調ではなく「回帰」として設計する

よさこいの反復設計は、ダンス系音楽のループとは思想が異なります。
単に繰り返すのではなく“帰ってくる”回帰感として設計するのがポイントです。

• 1サビ：テーマ提示（匂いの発火点）
• 間奏：異文化・世界観の展開（旅路）
• 大サビ：象徴モチーフの再出現（原点帰還）

この流れは、人の人生やチーム史と同じです。出発→試練→回帰。観客は物語を言語化せずとも、音響体験としてこの構造を無意識に受け取ります。

◆550曲制作で確信した成功例（独自要素）

17年間で550曲以上制作し、毎年依頼を継続してくださるチームには共通点があります。

• モチーフの“形”が毎年変わらない
• 変えるのは世界観・編曲・演出であり、核旋律だけは触れない
• サビ頭の2音、太鼓の「入れ位置」、笛の上昇角度が“そのチーム”

あるチームでは、サビの「ターラッタ・ラーラ」という上昇カーブを9年間一切変えませんでした。キーは変え、編成は変え、時にEDM、時に雅楽、時にミニマルを掛け合わせても、匂いの核は同じ。結果、世代交代が続いても観客は毎年「帰ってきた」と感じ、運営側も「このチームは毎年進化しているのに、なぜ軸が崩れないのか」と高評価。
つまり、入賞は“派手さ”ではなく“恒常性の美学”でも獲得できるということです。

◆「一度聴いたら戻れる曲」は継承資産になる

ナラティブ（物語）は、その年だけの装飾ではありません。
象徴モチーフの継承は、音による文化継承であり、地域・チーム・歴史を未来へと接続する橋です。

• 振付が変わっても戻れる
• 衣装が変わっても帰れる
• メンバーが変わっても佇める

その中心に、音の“帰巣フレーズ”が存在します。
だからこそ、私は制作時に「今年の音」よりも“来年も覚えている音”を選びます。
それが、観客の記憶に残るチームへ育てる、よさこい作曲者の責務です。

観客参加のナラティブ──声・手拍子・応答を“物語の地続き”にする

よさこいにおける「観客参加」は、単なる盛り上げ要素ではありません。
それはチームが紡ぐ物語に観客が“登場人物として加わる”瞬間です。
550曲の制作現場に立ち続ける中で確信したのは、観客は受け手ではなく「共鳴者」であり、場合によっては演者と同列の語り手になりうるということ。
曲の中に、声・手拍子・返答の余白が精密に設計されていると、観客は自然に物語へ入場し、演舞空間を共同編集する側へと転じていきます。

● コール＆レスポンスを“感情導線”として配置する

よさこいの掛け声は、テンションを上げるための装飾ではなく、感情を外へ向かって放つセリフです。
例えば、サビ前に「進め！」を置くチームと、「ただいま！」を置くチームでは、観客に生まれる情緒の方向がまったく異なります。

• 「進め！」＝未来／解放／突破
• 「ただいま！」＝帰属／回帰／ほっとする肯定

同じ発声でも、言葉が変われば物語が変わります。
ここを音響として翻訳し、言葉の感情圧を音色にも連動させることで、観客は“言葉を聞く”のではなく“状況を感じる”。
結果、声を返す行為が演者と観客の物語の接線となり、演舞は一方向ではなく「往復する感情体験」へ変わっていきます。

● 一拍の“間”は、観客が物語へ入るための扉

最も沸くのは「音が鳴っている瞬間」ではなく、「音が消えた瞬間」です。
ブレイクの一拍、サビ前の吸気3秒、太鼓の余韻だけが残る間——
そのすべてが観客が参加を決断する入口です。

• 間があるから、声が飛ぶ。
• 静寂があるから、拍手が噴き上がる。

この連続は演者の支配ではなく、観客の共演を許可する構造設計そのものです。

● 観客が声を返す瞬間＝物語が共有される瞬間

• 演舞の途中で観客が自然に「わっしょい！」と返す
• 最後のキメで「ありがとう！」が返ってくる

これは盛り上がりではなく物語承認です。

“ただ見ていた人が、物語の担い手へ移行する瞬間”
その連続がチームの世界観を都市全体へ拡散させる推進力となり、入賞の評価軸である「一体性」「会場掌握」「世界観浸透」を決定づけます。

● SNS時代＝観客は「受信者」から「語り手」へ進化した

今、観客は記録者であり、発信者であり、二次創作者です。
演舞中に掲げられるスマホは視線の遮断ではなく、物語の拡張機能。
“今日のあなたたちを残したい”という参加表明にほかなりません。

• コール＆レスポンスが動画で切り取られる
• ブレイクでの歓声がSNSで増幅される
• サビの振りが「みんなで踊れる型」に再構築される

つまり観客は物語を受け継ぐ編集者へ移行しています。
曲は終わっても、物語は終わらない。
その継続こそが「ナラティブ設計が勝つチーム」の共通項です。

観客はただ見ているわけではありません。
演者が音で語り、観客が声で応答し、両者が祝祭の場を共同生成する——
その瞬間に、よさこいは“音楽”から“物語体験”へと進化します。

完成後の物語継承──次世代メンバーへ残る“音の記憶”設計

よさこい楽曲で本当に評価されるのは「今年の盛り上がり」ではありません。
翌年、再来年、10年後に“踊り継がれるか”です。
その瞬間に初めて曲は「作品」から「文化」へ移行します。

1｜後輩が踊り継ぐための“可読性”を持たせる

極端なリズム難易度、過度な転調、複雑すぎるフォーメーション専用音は歴代メンバーしか踊れない曲になりやすい。
逆に、継承される楽曲には共通して次が存在します：

• BPMの基準が大きく揺れない
• 節回しや掛け声のIDモチーフが毎年引き継げる
• イントロから「そのチームらしい」とわかる音像

よさこいは入れ替わりが起きやすい文化です。
だからこそ、技術的負荷より引き継ぎやすい識別性が勝ちます。

2｜“一代曲“で終わらせない文化化デザイン

名曲であっても、テーマ消費型で終われば翌年に断絶します。
文化化する楽曲は常に「更新される余白」を持っています。

• 主題メロディは継承
• 編曲・音色だけアップデート
• 掛け声は年ごとの物語に合わせて再翻訳

つまり「核は固定、装飾は変化」。
私が550曲以上制作して見えた共通点は「変える勇気より、残す設計力」でした。

3｜記録・保存は“アーカイブ”でなく“継承物”に

音源・歌詞・フォーメーション動画が点で保存されても未来のメンバーには届きません。
それらを一本のストーリー線に束ねることが必要です。

• 音源
• 歌詞とテーマ意図
• リハ映像
• 本番映像
• 制作意図コメント（作曲者・代表）

これらがセットとして残ると、次世代は「模倣」ではなく理解から再解釈できます。

4｜“残す喜び”まで音で設計する

継承は義務ではなく、祝祭であるべきです。
「今年も受け取った」「私たちが繋ぐ番だ」
そう思える瞬間を音で仕掛けます。

• ラストサビで前年モチーフが回帰
• 代替わりの掛け声
• 卒業メンバー名が象徴的に忍び込むブリッジ

音楽は言葉以上に世代を横断する媒体です。
次にステージに立つ若い踊り手が“私たちは物語の続きを担っている”と感じられたとき、
その曲は優勝を超えて、文化の力を持ちます。

まとめ

入賞を狙うだけなら、派手さでも勝てます。
しかし「記憶に残り、次年度も踊られ、歴史に接続する曲」を作れるのは、設計思想を持つチームと制作側だけです。

物語継承型のよさこい楽曲設計、
一度相談してみませんか。

• 「今年だけの曲で終わらせたくない」
• 「次世代に渡せる象徴テーマを作りたい」
• 「チーム史を音で継ぎたい」

そう感じた時が、制作の最適なタイミングです。
お気軽にご相談ください。