審査員の心も揺らす！会場を飲み込む「迫力の低音」を作る音響設計の秘密

よさこいの会場で、最初の一音が鳴った瞬間に空気が変わる──。
観客の胸の奥に“ドン”と響く低音が、まるで地面そのものを震わせるように伝わっていく。
音量の大きさではなく、「響きの質」 が違う。
それは、低音とリズムがチームの鼓動と完全に重なった瞬間にだけ生まれる感覚です。

よさこいの楽曲は、ただ「勢いのある音」を並べるだけでは成立しません。
リズムが支えるのは、踊りそのもののテンションではなく、チーム全体の呼吸と一体感。
その呼吸が低音を介して観客席まで届いたとき、会場は「音の波」に包まれるように揺れます。

本稿では、

• 会場を震わせる“低音の設計”とは何か
• リズムが観客の体にどう伝わるか
• 音響と編曲の両面から「体感できる音づくり」をどう構築するか

──そのすべてを、実際の制作現場の視点から解き明かします。
よさこいサウンドの“重心”をどう設計するか。
それは、「鳴らす音」ではなく「響かせる音」 の物語です。

低音が“場”をつくる──リズムの存在意義を再考する

リズムは“場”をつくる行為

よさこいにおけるリズムの役割は、単なるテンポキープや勢いづけではありません。
真にリズムが機能するとき、それは“場”をつくる行為になります。
会場を包み込む空気、踊り子の体の使い方、観客の心の動き──。
そのすべての土台にあるのが、低音とリズムの重心です。

多くのチームが「もっと迫力を！」と考えたときに最初に行うのは、太鼓を強くしたり、音量を上げたり、テンポを速くしたりすることです。
しかし、本当に迫力が生まれるのは、音量や速さではなく、低音が“その場全体の呼吸”に重なる瞬間です。

リズムは音楽の“骨組み”ではなく、“重力”である

音楽理論では、リズムは「構造」「骨格」と表現されることがあります。
しかし、よさこいで求められるリズムとは、もっと身体的で、もっと生々しいものです。

• 足の踏み込みと太鼓の一打が重なる
• 体の軸が変わる瞬間にベースラインが跳ねる
• ステップが進む方向にパーカッションが風をつくる

これらは、音楽が“骨格”ではなく“重力”として働いている状態です。
リズムが踊りを引っ張るのではなく、踊りの体重移動そのものを支え、導き、引き寄せる。
重力のように働くリズムは、踊り子の身体を自然に前へ運び、観客の体内リズムまでも揺らします。

その瞬間、会場はただ音を“聴く場所”ではなく、音を浴びる場所へと変化します。

なぜ“低音”が場を支配するのか──身体への直結性

低音が強いというだけで場が揺れるわけではありません。
重要なのは、低音が

• どのタイミングで鳴っているか
• どこへ向かって落ちているか
• 何を支えているか

この3つです。

低音は、耳よりも先に身体に届く周波数帯です。
人間は、低音を“音”として聴く前に、胸、腹、足の裏、骨を伝って揺れとして受け取ります。

だから、以下が整っていると、会場が一斉に動き始めます。

• 和太鼓の低音
• サブベースの腹に響く帯域
• キック（バスドラム）の足元の重心

これらが同じ方向を向いた瞬間、音は「聴くもの」から「浴びるもの」へと変わるのです。

逆に、ただ低音が大きいだけだと、

• 身体が動かしにくい
• 音が散らばって聞こえる
• 踊りの呼吸と合わない

こうした問題が簡単に起きます。
つまり、「低音が強い＝迫力」ではなく、“適した重心で鳴っている低音＝場を支配する”のです。

リズムは“揃える”のではなく、“合う”ことで一体感が生まれる

多くの現場で誤解されている点があります。
それは、リズム＝揃っていれば良いという考え方です。

もちろん揃っていることは大切ですが、本当に観客を巻き込むのは、揃うことではなく“合う”ことです。

揃うとは「同時に鳴っている状態」。
合うとは「同じ方向に向かっている状態」。

例えば：

• ステップの落ち方とキックが合う
• 手を伸ばす瞬間にシンバルが合う
• 体が沈む瞬間に太鼓の低音が合う

この“合う”が成立すると、踊り子の身体は自然と前へ進み、観客は「なんかすごい」ではなく、「体が勝手に動く」感覚になります。
よさこいという文化の本質は、この“身体の同調性”にあります。

リズムは「背中」を押すもの──前へ進む力をつくる

テンポが同じでも、“前へ進みやすいリズム”と“前へ進みづらいリズム”が存在します。
これは、

• タメ（音を少し後ろに置く）
• ハネ（音を気持ち前に置く）

といったニュアンスによって決まります。

よさこいは行進・前進を前提とした文化なので、リズムは「前へ出る力」「進む意志」を表現する必要があります。
ただ速くするのではなく、足が前へ出やすい“リズムの角度”をつくること。
これが、会場全体が動き出す瞬間を生み出します。

“低音 × リズム × 身体”が噛み合った瞬間、会場は揺れる

低音は響き、リズムは方向を決め、身体はその重心で動き出す。
この3つがひとつの円になったとき、会場はただ音を聴いているのではなく、音と一緒に呼吸している状態に入ります。

だからこそ、低音とリズムの設計は、音楽制作の中でも最も“現場性”の高い部分なのです。

鳴らすではなく響かせる──サブベースと和太鼓の融合設計

よさこい楽曲では、低音の扱いが曲全体のエネルギーを左右します。
特に現代的なアレンジでは、サブベース（超低域）と和太鼓（アタックの強い低音）をどのように共存させるかが、作品の完成度を大きく変えていきます。

しかし、やみくもに両方を重ねてしまうと、低音域が濁り、太鼓なのかベースなのか判別しづらい“濁り低音”になってしまいます。
よさこいの躍動感を引き出すためには、「鳴らす」のではなく「響かせる」低音をデザインする必要があります。

まず大切なのは、それぞれの帯域の役割を明確に分担させることです。
和太鼓は、アタック（叩いた瞬間の衝撃）と中低域が魅力です。存在感があり、踊りのステップに力を生みます。
一方でサブベースは、耳ではなく身体で感じる“地鳴り”のような低音です。

これらを同じ帯域で主張させてしまうと、どちらの魅力も消えてしまいます。
そこで私は、和太鼓の低域を少し整理し、アタックを際立たせつつ、
サブベースはより深い帯域に固定し、「役割の階層」を作るようにしています。

時間軸での干渉を避ける

次に重要なのは、時間軸での干渉を避けることです。
例えば、和太鼓の連打とサブベースのキックが同じタイミングで鳴ると、
低域のピークが重なりすぎ、音が団子状に固まりがちです。

そこで私は、太鼓のフレーズとベースのリズムを少しだけスライドさせたり、
互いに譲り合うように配置することがあります。

たった数ミリ秒の調整でも、実際の現場で聴くと驚くほどクリアになります。
「どちらを主役にするか」を常に決め、もう一方が支える形に落とし込むことで、
低音同士の衝突を避けられます。

空間の中での響き方を設計する

さらに、空間の中での響き方を設計することも欠かせません。
太鼓には自然な残響があり、ホールのような空気感を持ちます。
対してサブベースは、基本的に残響をつけない方がタイトに響きます。

ここを混ぜてしまうと、ただでさえ大きな低音が空間を埋め尽くしてしまい、
クリアな方向性が損なわれてしまいます。

私は太鼓には空気を感じるリバーブを薄くかけ、
サブベースは極力ドライなまま使います。

このように「空間距離」を変えてあげることで、
同じ低音でも“前にいる太鼓”と“地面の下にいるベース”のように、
立体的な奥行きを作ることができます。

会場を想定した鳴り方のシミュレーション

最後に、よさこい特有の“踊る低音”を作る上で欠かせないのは、
実際の会場を想像した鳴り方のシミュレーションです。

屋外ではサブベースの再現が難しい反面、太鼓のアタックはよく通ります。
逆に室内ステージではサブベースが強く響き、太鼓の残響が膨らみやすい。

私はミックス段階で「野外」「体育館」「特設ステージ」の3種類をイメージしながら、
どの会場でも破綻しない低音の組み合わせを作っています。

よさこいは現場が多様だからこそ、少し先を読みながら音を組むことで、
どんな場所でも“響く低音”として成立させることができます。

まとめ

サブベースも和太鼓も、どちらも主役級の存在感を持つ楽器です。
その2つを同時に鳴らしても濁らず、互いを引き立てながら、
踊り手の身体にしっかり響くサウンドを作ること。

それが、現代よさこいに求められる“低音デザイン”の本質だと私は感じています。

会場に広がる体感型リズム──PA・ミックスのリアル

よさこいの楽曲制作で避けて通れないのが、「実際の会場ではどう鳴るのか」という視点です。
スタジオのスピーカーで聴いたときのバランスが、そのまま屋外イベントで再現されることはまずありません。

むしろ、現場に流した瞬間に
「思っていたより低音が出ない」
「ボーカルが埋もれてしまう」
「リズムが前に出ず、踊りが乗りにくい」
といったギャップが生まれることのほうが圧倒的に多いです。

よさこいは“現場音楽”です。
だからこそ、最終的な評価軸は「会場でどう体感されるか」にあります。

PA環境による音の変化

まず理解しておきたいのは、PA（会場のスピーカー環境）の特性による差です。

屋外イベントでは、サブベースがほとんど再現されません。
大音量にしても深い低域は空気に散ってしまい、思ったほど体に響かないのです。

逆に中域の打楽器やシンセはよく通るため、
太鼓のアタックが想定以上に強く聴こえることがあります。

つまり、スタジオでは「サブベースの土台の上に和太鼓を乗せる」ようにミックスしていても、
屋外では「太鼓だけが前に飛び、ベースの土台が消える」という現象が起きがちです。

屋外で映える音とスタジオの音を両立する

こうした環境差を前提に、私は制作段階から
“屋外で映える音”と“スタジオで聴かせる音”を両立するミックス を意識しています。

具体的には、サブベースを音量で押すのではなく、
上の帯域に少しだけ倍音を足して“芯の存在感”を作ります。

これにより、たとえ深い低域が消えても、ベースラインの輪郭だけは失われず、
踊り手がリズムの柱を掴みやすくなります。

同時に、太鼓の低音は抑えすぎず、屋外で抜ける帯域（150〜300Hz付近）だけ軽く強調し、
“ステップに乗る低音”を作っていきます。

屋外PAの癖を知っておくと、楽曲設計そのものが変わっていきます。

“抜ける音”と“埋める音”の役割分担

よさこいの現場は、会場音響・踊りの声・風・歓声など、あらゆる音が入り混じります。
この雑多な環境の中で、すべての音を丁寧に聴き取ってもらうことは不可能です。

だからこそ、ミックスでは「どの音を必ず通すか」を明確に決める必要があります。

• メインのリズム（キック・スネア・太鼓）
• 進行を示すハット系
• メロディの主旋律

このあたりを“抜ける帯域”に配置して、絶対に埋もれないよう設計します。

逆に、ストリングスやパッドのような広がり系は“埋める役割”。
その場の空気を作りつつ、大事な音を邪魔しない帯域に控えめに置いていきます。

踊る距離での聴こえ方を想像する

踊り子はスピーカーの真横で踊るわけではありません。
大抵は10メートル、20メートル離れた場所で動くため、
その距離感で聴こえるリズムの“強さ”を計算に入れます。

私は制作中に「遠くで鳴っている状態」を疑似的に再現するため、
あえてスマホスピーカーで確認したり、部屋の外から聴いたりすることがあります。

不思議なもので、スピーカーから離れるほど、中域の情報しか残らなくなるため、
ここで崩れないアレンジは現場でも強いです。

現場の音圧による“体感のリズム”

よさこいの踊り手が求めているのは、耳だけで聴く音楽ではありません。

• 胸に響くミドルの衝撃
• 地面から伝わる低域の振動
• テンションを引き上げるキメの瞬間

こうした“身体で感じる音”があると、踊りの熱量が一気に上がります。

私はそのために、キメの箇所では太鼓の重ね方を変えたり、
ベースのアタックを少しだけ強調したり、
リズムに“踏み込むポイント”を意図的に作ります。

これがあるだけで、会場全体の空気が一段引き締まります。

まとめ

結局のところ、よさこい楽曲のミックスは「完成音源」を作る作業ではありません。
“会場で最高に盛り上がる音”を作る作業です。

スタジオの完璧なバランスよりも、
踊り手と観客の体感が優先されます。

だからこそ、音源制作の最後は、いつも
「ここで踊ったらどう感じるだろうか？」
という問いに戻ります。

音は風に乗り、空間に溶け、身体を揺らすもの。
よさこいの現場は、そのすべてをまとめて“音楽の一部”として受け止めてくれます。

観客を“巻き込むリズム”をどう描くか──演出と余白のデザイン

よさこい楽曲を作っていると、「この曲は踊り子だけでなく、観客まで巻き込めている」と感じる瞬間に出会います。
どれだけ高度なアレンジをしても、どれだけ技巧的なサウンドを詰め込んでも、
観客が“乗れない”曲は現場で伸びません。

逆に、シンプルでも観客が自然と手拍子し、思わず身体が前に出てしまう曲は、
その日の祭りの空気そのものを変えていきます。

よさこいは演者だけのステージではありません。
観る側もイベントの一部であり、楽曲はその両者をつなぐ“媒介”として存在します。

だからこそ、観客参加の余白をどうデザインするかは、
楽曲の価値を大きく左右する重要な要素になります。

反応しやすいポイントをあえて用意する

観客を巻き込むためには、“反応しやすいポイントをあえて用意する”ことが大切です。

よさこい曲はテンポが速く、情報量が多い場面が続きがちです。
そこで、あえてリズムを明確にする区間や、
音数を減らして「空気をためる瞬間」を意図的に作ります。

観客が反応するのは、常に音の多いところではありません。
むしろ“隙間”のある瞬間こそ、手拍子が入りやすく、声が飛びやすく、ダイナミクスが生まれます。

プロのダンサー向けのステージと違い、よさこいは即興的に楽しむ文化です。
だからこそ「観客が入り込める隙」を用意した曲は、現場で強く生きます。

キメのリズムを真似しやすくする

キメのリズムを誰でも真似できる形にする工夫も欠かせません。

観客は踊りを覚えていませんが、リズムは耳で覚えられます。

• 4拍目で太鼓を強く入れた“呼吸のポイント”を作る
• キメの前に一瞬のブレイク（無音）を入れて期待感を高める
• サビ前にクラップが自然と入るようなパターンを設計する

観客が「乗せられている」と感じない形で導線を作ります。
演出で引っ張るのではなく、音楽の流れに沿って“巻き込まれてしまう”状態を作るのが理想です。

遠くからでも聴こえる帯域でリズム軸を作る

観客がリズムをつかむためのもう一つの重要な要素が、
“遠くからでも聴こえる帯域で作るリズム軸”です。

現場ではさまざまな距離や角度から音が聴こえるため、
スタジオでバランスよく作った複雑なリズムは埋もれてしまうことがあります。

遠くの観客に届くのは、キックやサブベースではなく、
中域の太鼓やスネア的なアタック成分です。

この“聞こえやすいリズム軸”が常に曲の中心に流れていると、
観客は音量が小さくてもテンポをつかみやすくなり、自然と身体が揺れます。

よさこいは「音圧」で押す音楽と誤解されがちですが、
実際には“伝わりやすい帯域の整理”こそが観客参加を大きく左右します。

演出と連携した“余白”の設計

観客を巻き込むためには、演舞チーム側の演出と連携した“余白”が不可欠です。

例えば、

• 途中で掛け声を入れるポイント
• 振りの大きく跳ねる箇所
• 全員が手を広げてポーズを取る瞬間

これらはチームの個性ですが、
楽曲側で適度なブレイクや間を用意しておくことで、
観客の集中が一気に引き寄せられます。

音楽が絶えず流れていると、観客の注意は散漫になりやすいですが、
“間”が入ると視線が一気にステージへ集まります。

私は依頼者との打ち合わせで、こうした演出ポイントを必ず聞き取り、
そこに合わせて曲の「余白の形」を設計します。

結果として、踊り・音楽・観客が同じタイミングで盛り上がる瞬間を作り出せます。

“誘う”のではなく、“委ねたくなる空気”を作る

観客参加をデザインするうえで最も大事なのは、
音楽で“誘う”のではなく、“流れに身を委ねたくなる空気”を作ることです。

観客は指示されて参加するのではなく、
「楽しそうだから入る」のです。

その“楽しそう”を音楽で作るためには、
過度に指示的なリズムや押しつけがましい演出は逆効果です。

むしろ、余白と流れ、期待感と解放感、静と動のバランスの中に、
観客が自然と乗れる導線を置いていくことが、
最も美しい巻き込み方だと思います。

まとめ

観客が手を叩き、声を出し、踊り子の熱量がさらに高まると、
会場の空気は一つになります。

その瞬間、よさこいは単なる“演舞”ではなく、“祭りそのもの”になります。

音楽がその場をつなぎ、全員の心拍を揃えていく──
それこそが、観客を巻き込むリズムデザインの本質ではないでしょうか。

まとめ｜“響き合うリズム”が祭りをつくる

よさこい楽曲におけるリズムは、単なる「テンポを刻むパート」ではありません。
今回扱った4つの視点から見えてくるのは、リズムが音楽と踊りと観客をつなぐ“場づくりそのもの”だということです。

低音の存在感、和太鼓との融合、PA・ミックスの現場感、そして観客参加の余白──
これらは別々の技術に見えて、実はすべて“つながる力”をどう生み出すかという一点で共通しています。

低音が“場の重心”をつくる

サブベースのラインや太鼓の重心がしっかりしていれば、
踊り子は安心してステップを踏めますし、観客も身体を揺らしたくなる。

これは音楽の構造というより、心理的な「よりどころ」の話です。
土台がどっしりしているだけで、チーム全体の表現力は大きく変わります。

H2-2｜和太鼓とサブベースの融合

和太鼓は“空気を叩く音”、サブベースは“空間を満たす音”。
役割は違いますが、その境界を丁寧に設計すると、新しいダイナミクスが生まれます。

伝統と現代をつなぐよさこいならではの魅力が、ここに凝縮されます。

PA・ミックスの現場感

スタジオで完璧でも、屋外では全く違う聞こえ方になります。
特に中域の整理、低音の出し方、太鼓の残響の扱いは、
“現場で強い曲”を決定づけます。

よさこいは室内ライブではなく“屋外イベント”だからこそ、
音作りは実践が全てです。

観客参加の余白

手拍子を促すキメ、余白を活かしたブレイク、耳に入りやすい帯域のリズム、振りと連動した間のデザイン。
これらは“参加したくなる空気”をつくる要素です。

よさこいにおける音楽は、演者のためのものでも観客のためのものでもなく、
全員が一体になるための媒介であるという視点が、ここに表れています。

■ リズムづくりの本質は、「どう響かせたいか」を決めること

技術や機材の知識はもちろん重要ですが、
最終的に問われるのは “この曲で、どんな一体感を作りたいのか？” という設計思想です。

リズムは音の集合ではなく、
感情や空気を動かすための“器”です。

• 踊り子に安心して踊ってほしい
• 観客に巻き込まれるように楽しんでほしい
• チームの世界観を音で具現化したい

これらの願いがあるなら、リズムは自然とその方向へ形を変えていきます。
よさこい楽曲の魅力は、まさにこの自由さと奥深さにあります。

■ リズムは、ただ鳴らすだけでは届かない

リズムは「聴かせる」ものではなく、「感じさせる」ものです。

感じさせるためには、余白・帯域・空気の流れ・現場のリアルという、
目に見えない要素の設計が欠かせません。

今回の4つの視点は、よさこい曲を長く作り続ける中でたどり着いた
「現場で強いリズム」を作るための重要な指針です。

これらの考え方を取り入れることで、
ただ鳴っているだけの音から、“空間を揺らす響き”へと変えていくことができます。

祭りの一瞬を最大化し、人と人が響き合う時間をつくる──
そんな音楽の力を、これからも丁寧に届けていきたいと思います。