よさこい楽曲70年史─変わらないものと進化したもの

みなさんこんにちは！ソングメーカー代表、兼制作者の井村淳也です。

よさこいの楽曲には、70年の歴史があります。けれど、その歩みは単に「昔と今が違う」という単純な話ではありません。時代の空気、技術、表現の目的、人と人が集う場の意味……そのすべてが変化する中で、よさこいの音楽は「変わること」と「変わらないこと」のあいだで、ゆっくりと形を変えてきました。

1954年、高知で生まれたよさこいは、もともと「みんなで鳴子をもち、声を合わせ、踊り楽しむ」ことが中心にありました。そこには、伝統芸能としての厳格さよりも、「ともに作る」「ともに楽しむ」という、祭りの根本的な価値が息づいていました。しかし、時代が進むにつれ、ステージ演舞・競演・地域外への広がりが生まれる中で、音楽は“見せるもの”“届けるもの”として進化し、やがてチームや地域の想いを表現する「物語の器」としての役割を担うようになりました。

本稿では、この70年間によさこい楽曲がどのように形を変え、何を受け継ぎ、そして今どこへ向かおうとしているのかを、4つの視点からたどっていきます。歴史の変遷を振り返ることは、これからの楽曲制作やチームづくりに大きなヒントを与えてくれるはずです。

よさこいの原点 高知発“みんなの祭り”としての誕生と1954〜1970年代の歩み

高知で生まれた“みんなの祭り”としてのよさこい（1954〜1970年代）

よさこいが誕生したのは、戦後の復興期である1954年、高知県でした。当時のよさこいは、現在のようなステージ演舞や全国大会のような競技性はほとんどなく、「みんなが参加できる地域の祭り」としての側面が強いものでした。地元商店街、地域の団体、学校、住民たちが手づくりで参加し、人が集まれば自然と笑顔になり、街に活気が生まれる──その素朴な魅力こそが、よさこいの始まりでした。

当時の楽曲は、まだ「チームのオリジナル曲」という概念はありませんでした。中心となっていたのは「よさこい鳴子踊り」と呼ばれる共通の楽曲です。鳴子を打つ音に合わせて、リズムに乗って体を動かせばそれで十分成立する。複雑な振り付けやドラマチックな展開がなくても、そこには“人が集まる喜び”がありました。

この時代のよさこい楽曲は、いわば「日常に寄り添う音楽」でした。難しい技術や新しい表現を求めるものではなく、地域の誰もが歌えて、誰もが踊れて、誰もがその輪の中にいられる──そんな優しさを持った音楽でした。

よさこいに宿る変わらない価値

しかし、ここに「変わらないもの」が確かに存在しています。
それは、よさこいは“個人が輝く場”であると同時に、“一緒にいることに価値がある文化”であるということです。

戦後の日本は、物資が足りず、豊かさよりも「ともに支える」ことの価値が強かった時代です。その中で生まれたよさこいは、華やかさよりも「一体感」を大切にしていました。鳴子をみんなが手にするというルールは、その象徴的な形の一つです。誰もが“祭りの主役になれる”ための道具。それが鳴子でした。

いま、全国で演舞が進化し、演出が高度化しても、鳴子が手放されないのは、単なる伝統の継承ではないと私は考えています。鳴子は「わたしはここにいる」と伝えるための音であり、参加するすべての人の存在を肯定する象徴なのです。

よさこい楽曲の原点と思想

この時代の楽曲づくりに、特別な理論はほとんどありませんでした。民謡的な音階、シンプルな和太鼓のリズム、誰もが口ずさめる歌詞。それだけで十分でした。そこには「伝統的にしなければならない」という意識よりも、「みんなが気持ちよく踊れるかどうか」が基準として存在していました。

そして、この“誰もが踊れる”という思想は、その後70年の歴史を通じても揺らぐことはありませんでした。ステージ化、全国展開、表現の高度化、技術進化……時代とともに変化していく中でも、よさこいの音楽が抱き続けている核は「ともに作る喜び」です。

これが、よさこい楽曲の歴史の出発点であり、変化を語るときに忘れてはならない「原点」の姿です。

よさこいの進化と表現の多様化 1980〜1990年代における“魅せる祭り”への転換

“見せるよさこい”への転換とアレンジの多様化（1980〜1990年代）

1980年代頃から、よさこいは大きな転換期を迎えます。高知の中だけで親しまれていた「地元の祭り」という枠を超え、県外へと広がり始めると、各地域がそれぞれの文化や特色を取り入れた“独自のよさこい”が生まれていきました。すると、祭りは単なる参加の場から、魅せる演舞を競い合う場へと変化していきます。

この頃から、楽曲づくりにも“表現の競争”が生まれます。ただ楽しく踊れるだけでなく、「観客の心を掴む」ことが重視されるようになりました。拍子もテンポもアレンジも、より多様な表現が求められ、チームごとに独自性を打ち出すことが重要になっていきます。

和と洋の融合による音楽の進化

従来は民謡的な音階や和太鼓のリズムが中心でしたが、次第にロック、ラテン、ジャズ、ポップス、ヒップホップなどの要素が取り込まれ、よさこい楽曲は急速にモダンなサウンドへと進化していきました。特に、電子音やシンセサイザーの登場は大きな転換点となり、スピード感、力強さ、立体感のある音が一気に増えていきます。

この変化は、振付や衣装にも影響を与えました。
音楽が多様になれば、表現の身体性も広がります。
チームは「どう見せるか」を意識し始め、構成・フォーメーション・衣装演出が発展していきました。

こうして、よさこいは単なる地域の祭りではなく、“総合芸術”へと向かう道を歩み始めます。

観客との一体感を重視する文化の継承

しかし、ここでも変わらず受け継がれていたものがあります。
それは、「観客と一緒に楽しむ」という視点です。

たとえ競い合うステージの場であっても、よさこいは観客に“見せつける”ための踊りではなく、“共に熱量をつくる”踊りであるという意識が根底に残されていました。演舞の最後に手を振る、鳴子を掲げる、声を掛け合う──これらは、ただの振り付けではなく、「あなたもここにいていい」という文化の継承そのものでした。

オリジナル楽曲の誕生と背景のある音楽への進化

そして、もうひとつ重要な変化があります。
この時期、オリジナル曲の需要が一気に高まったことです。

よさこいが広がれば広がるほど、各チームは「自分たちらしさ」を形にしたくなります。「うちのチームの物語を曲に込めたい」「地元らしさを音にしたい」という思いは、ごく自然な流れでした。

そうして、よさこいの楽曲は以下のようなストーリー性を帯びるようになります：

• チームの歴史
• 地域の誇り
• 仲間への思い
• 世代を超えて受け継ぎたい願い

この頃から、よさこいの楽曲は「背景のある音楽」へと進化していきました。

音は、ただ鳴っているだけでは意味を持たない。
そこに“想い”が乗ったとき、初めて人の胸を打つ。

この価値観は、現在のよさこい制作においても、最も大切な核となる考え方です。

よさこいの全国展開と物語性を帯びた楽曲の時代 2000〜2010年代の進化

全国展開と“物語を奏でる曲”の時代へ（2000〜2010年代）

2000年代に入ると、よさこいは全国へ一気に広がります。高知、札幌（YOSAKOIソーラン）、にっぽんど真ん中祭りなど、大規模な祭りが各地で開催され、テレビ・新聞・雑誌で取り上げられる機会も増えました。これにより、よさこいは「地域で楽しむもの」から、「地域を超えて共有する文化」へと姿を変えていきます。

この時代の特徴は、“チームごとの世界観が濃くなった”ことです。
従来は、勢いや熱量が中心の曲構成でも成り立っていましたが、全国大会に出場するチームが増えるにつれ、観客の心をつかむストーリー性が強く求められるようになりました。

「何のために踊るのか」を表現する時代へ

この時期、多くのチームが大切にしたのは、曲の中で「物語を描く」ということです。
地域の歴史、伝承、産業、災害からの復興、仲間との絆など、背景のあるメッセージを題材にした作品が増えていきました。

特に東日本大震災以降、
「踊ることは、生きること」
「この瞬間を共にすることに意味がある」
という価値観が、全国のチームに深く浸透していきます。

楽曲は単に盛り上がるだけでなく、序破急（起承転結）の構成が明確になり、以下のような感情曲線を描く構成が定番化しました：

• 静かに語るような導入
• 仲間の思いを解き放つサビ
• 会場全体が一体になるフィナーレ

大旗・煽り・合唱──身体表現の拡張

音楽の世界観が濃くなると、身体表現も広がります。

• 大旗が物語の象徴として掲げられる
• パートごとに掛け声の役割が生まれる
• 子ども・シニア・同性チームなど編成の多様性が進む
• 合唱・コール＆レスポンスで観客を巻き込む力が強まる

特に合唱パートの登場は象徴的です。
合唱は、踊りの体力が限界に近づく後半でも、
「声をひとつにすることで仲間の心を支える」役割を持ちます。

その声は歌というより、祈りや叫びに近いもの。
その瞬間、演者と観客、街と舞台、日常と思い出が結ばれます。

技術ではなく“祈り”が熱量を生んだ

この時代のよさこいにおいて、評価の軸は単なる上手さではありませんでした。

• 練習量で揃えた統一感
• 精密なフォーメーション
• 高度な振付

これらももちろん重要ですが、何よりも大切だったのは、
「この曲でなければ踊れない理由がある」という物語の必然性でした。

だからこそ、各チームは歌詞や曲名に深い意味を込め、
「背景を知ることでさらに泣ける曲」が数多く生まれていきました。

制作者に求められる役割の変化

曲を作る側に求められたのは、
「ただ音を作る人」ではなく、チームの語り部として寄り添える存在であること。

• チームがどの景色を見てきたか
• どんな挫折や誇りを持っているか
• 次の世代に何を残したいか

それらを深く受け取り、音楽という形に翻訳する力が求められるようになりました。

よさこいは作品であり、祈りであり、記憶の継承です。
曲は消費されるものではなく、仲間とともに生きる時間そのものなのだという価値観が、
この時代に確立されていきました。

デジタル時代のよさこいと音楽の未来 2010年代〜現在における変化と展望

デジタル時代のよさこと、これからの“音のあり方”（2010年代〜現在）

2010年代以降、よさこいは大きな転換期を迎えます。
SNS・動画配信・ハイレゾ録音・デジタル音源制作環境の普及により、音楽そのものの役割が広がり、会場だけで完結しない“発信されるよさこい”へと変化していきました。

特に、YouTubeやTikTokに代表されるメディアは、
これまで「その場で見た人だけが共有できるもの」だったよさこいを、
時と場所を超えて届く文化に押し上げました。

結果として、「曲・構成・振付・衣装・映像・SNS運用」を含む、
総合演出が当たり前の時代に入ったのです。

「映える曲」から「伝わる曲」へ

この時代、単に派手な曲が強いわけではありません。
映像で公開されることを前提にすると、見返したときに伝わる物語の芯がない作品は残りにくいからです。

実際、今再生数を伸ばしているのは、次のような要素を持つ曲です：

要素	意味
歌詞のメッセージが明確	観客が「この曲は何を伝えたいのか」理解できる
メロディに“覚えられる軸”がある	口ずさめることで、記憶に残る
間（ま）の使い方に余白がある	映像でも“表情”や“呼吸”が届く
サビに“心の解放”がある	演者が自分自身を重ねられる瞬間がある

つまり、今の時代において評価される曲は、
見たときに思いが溢れる曲です。
派手さや速さだけでは、もう心に残りません。
大切なのは、演者が自分の言葉で踊れる余白です。

多様性がもたらした“スタイルの自由”

現代のよさこいは、もはや「こうあるべき」という型がありません。

• 和太鼓が中心の重厚なスタイル
• K-POPのグルーヴを取り入れた動きの強いスタイル
• クラシック合唱を軸にした叙情的な構成
• 2拍子×EDMによる近未来スタイル
• ロックバンド編成で熱量をぶつけるスタイル

どれも「よさこい」です。
「よさこいとは何か？」に、もうひとつの正解はありません。

それぞれのチームが、自分たちの生き方・想い・風土を音や身体で表現する。
よさこいは今、個性の文化の時代に入っているのです。

そして制作は、“共同創作”の時代へ

かつて、曲は作曲者だけが決めるものでした。
しかし今は違います。

曲は、
依頼者 × 振付師 × 旗師 × 衣装デザイナー × 制作者
が対話しながら共に作り上げるものです。

曲は完成するのではなく、踊りの中で育ち続ける存在になりました。

私自身（井村）も、550曲以上の制作を通して、
「作曲は翻訳」だと考えるようになりました。

• チームの美学
• 代表やメンバーの歩んできた時間
• 街の空気
• いま届けたい願い

それらを丁寧に受け取り、音の言葉に言い換えることが作曲の仕事です。
曲は、作るのではなく、ともに見つけていくものなのです。

これからのよさこい曲に求められるもの

これから先のよさこいは、さらに心の時代に入ります。

• 正しさより あたたかさ
• 複雑さより 深い一音
• 派手さより 共に在る感情

よさこいは、人が人を信じるための文化です。
音楽は、その中心にあります。

この先も、曲はただのBGMではなく、
仲間と共に生きる時間の記録であり、未来への旗印であり続けるでしょう。

まとめ

よさこい曲は70年の中で、
熱量 → 物語 → 個性と共創へと進化してきました。

しかし、変わらないものがひとつあります。
人は、誰かと共に踊りたいという願いです。

音楽は、その願いを形にする手段であり、灯火です。
これからもよさこいは人と街と心をつなぐ文化であり続けるでしょう。

よさこいは、これからも“生き続ける文化”として進化する

よさこい楽曲の70年と変化の本質

よさこい楽曲は、この70年のあいだに、形を変え続けてきました。
けれど、その変化は「昔を捨てて新しくする」ということではありません。

• 時代に合わせて息をする
• 人と人のつながりを映し出す
• その地域とチームの“物語”を抱きしめる

よさこいは、いつの時代も「今ここに生きている人の声」によって更新されてきました。

これからのよさこいに求められる音楽のかたち

そして、これからのよさこいに求められるのは、
“あなたたちにしか成立しない曲”です。

誰かの真似でもなく、流行を追いかけただけでもなく、
「このチームはなぜ踊るのか」という理由の音。
その音が、街を、仲間を、観客を揺らします。

私は楽曲制作という形で、その“旗印”づくりに寄り添っています。
曲は、作曲者が作るものではなく、ともに見つけていくものだからです。

ご相談・制作のご依頼について

もしこの記事を読んで、

• 自分たちのチームらしさを音で表現したい
• 踊りと物語がひとつになる曲を作りたい
• 伝統と新しさのバランスに迷っている
• メンバーの心が揺れるような曲がほしい

そう感じてくださったのであれば、
どうか一度、お話を聞かせてください。

制作は後払い制・修正無制限。
全国対応、オンラインのみで完結可能です。
まずは、チームのお話を伺うところから始めます。

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最後に

よさこいは競争ではなく、共に生きる文化です。
曲は、その中心にあります。

あなたのチームは、どんな音で生きますか？
その答えを、一緒に見つけていけたら嬉しいです。

お待ちしています。

井村淳也
よさこい楽曲制作 / よさこいソングメーカー代表兼制作者